The Godfather – Part 1 (USA 1972, R: Francis Ford Coppola)

Das ist zugegebenermaßen eine äußerst subjektive und wohl auch sehr anmaßende neue Idee von mir. Schließlich will ich, ein Bub von 20 Jahren euch sagen, was in den letzten 120 Jahren der Filmgeschichte herausragend gefilmt wurde. Natürlich hängt das manchmal mit meinen eigenen Assoziationen mit den gewissen Szenen zusammen (sollte mal eine Sequenz darunter sein, bitte ich die Ausschreibung als „Szene“ zu entschuldigen). Bei diesem ersten Beispiel kann man natürlich viele Szenen auswählen. Dennoch ist der Tod von Vito Corleone, gespielt vom göttlichen Marlon Brando, am ehesten in meiner Erinnerung geblieben.

Inhaltsangaben zu den Filmen findet man ja zur Genüge, vielleicht schreibe ich irgendwann auch einmal gesondert über den Film. Was macht diese Szene jetzt so besonders? Nun, sie verkleidet einen Tod so unschuldig und spielerisch, dass seine Tragik erst spät wirklich zu tragen kommt. Der Don spielt mit seinem Enkel im Tomatenbeet, das er so penibel pflegt. Letztlich überlagern sich das vergnügte Lachen des Kindes mit dem röchelnden Husten des alten, kranken Mannes. Er greift nach einer Staude, doch kann sich nicht mehr halten. Er reißt sie mit sich herunter. Vito Corleone liegt tot im Beet und der Junge erkennt es erst spät nicht mehr als Teil des Spiels. Er rennt weg und die Totenglocken erklingen in der soundbridge. Intensiv bis zuletzt:

Das dritte Reich hängt doch mittlerweile jedem zum Halse raus. In der Schule wird man wöchentlich mit der gewiss furchtbaren Vergangenheit konfrontiert, Videospiele jagen die Spieler immer wieder von Stalingrad zur Normandie und deutsche Filme schlagen liebend gerne in eine ähnliche Kerbe. Mal mehr, mal weniger will man uns belehren, aber Neo-Nazis klammert man da gerne aus.

Marisa (Alina Levshin) ist 20, lebt gemeinsam mit ihrer Mutter in einem Altbau in einer ostdeutschen Kleinstadt. Sie arbeitet im Supermarkt ihrer Mutter und hat einen Freund, von dem sie sich bald ein Kind wünscht. Auf die Frage, ob ihre Mutter sie nicht als eine gute Mutter vorstellen kann, gibt es bloß den Kommentar: „Es gibt ja nicht viel, was du richtig kannst.“

Marisa ist 20, trägt Tops mit der Aufschrift Nazibraut. Auf ihrer Brust ist ein Hakenkreuz tätowiert. Mit ihrer Gruppe pöbelt sie in Regionalzügen Ausländer und Immigranten an, schlagen sie zusammen. Ihr Freund sitzt im Gefängnis und der einzige Vertraute, ihr Großvater liegt im Sterben. Der einzige Mensch, zu dem sie sich wirklich hingezogen fühlt, der sie als „meine Kriegerin“ aufzog und ihr ein Trugbild der Juden von Klein auf beibrachte.

Als sie wutentbrannt zwei Pakistanis auf ihrem Roller mit ihrem alten VW rammt und schwerverletzt zurücklässt, ändert sich ihr Leben in der rechtsradikalen Szene  schlagartig. Denn einer der beiden, Rasul (Sayed Ahmad), taucht wenige Tage später an der Kasse bei Marisa auf, er hat kein Geld, braucht Essen und flüchtet vor dem Sozialamt, das ihn in ein Jugendheim stecken will. Er bittet Marisa um Hilfe, um zu seinen Verwandten nach Schweden zu gelangen. Aus Schuldgefühlen hilft sie ihm und gewährt ihm sogar Obdach. Eine Eskalation ist da praktisch vorprogrammiert. Gleichzeitig kommt die 15-jährige Svenja (Jella Haase) mit der rechten Szene in Berührung. Aus Protest und Frust über ihren Stiefvater findet sie in der Clique Gleichgesinnte – die Rebellion der Teenagerin beginnt gerade erst.

Kriegerin ist sogleich Spielfilmdebüt und Diplomfilm von Regisseur David Wnendt. Mit unerschrockener Härte werden hier Gewalttaten, Nazi-Gebärden, Propagandafilme und rechtsextreme Musik präsentiert. Dabei muss man Wnendt zu Gute halten, dass er die Thematik nicht ins Lächerliche zu ziehen versucht, wie es bereits Leroy versuchte. Diese Neo-Nazis sind keine Vollidioten. Es sind fehlgeleitete, hasserfüllte junge Menschen, die sich vom Staat vernachlässigt fühlen. Sie leben in mehr als renovierungsbedürftigen Wohnungen, haben keine Perspektive und nur sich und ihren Hass gegen alle anderen.

Wnendt hat jahrelang in der rechten Szene recherchiert und überlässt einzig und allein dem Zuschauer, über das Dargestellte zu urteilen. Die Kamera geht mal auf Distanz, wenn die Gewalt ausbricht, aber insgesamt verläuft der Film doch ohne Bewertung der Szene. Überhaupt ist es ein mutiges Projekt – nicht zuletzt durch die Nazi-Terrorzelle auch brandaktuell. Deutsche Filmemacher trauen sich endlich, sich Tabuthemen zuzuwenden. Die Thematik ist letztlich auch das herausragende Argument für Kriegerin. Denn filmtechnisch gesehen wird nicht großartig rumexperimentiert, wenngleich einige Bilder sehr schön eingefangen wurde.

Wirklich herausragend ist Newcomerin Alina Levshin. Zerbrechlich und zugleich unnahbar spielt sie Marisa. So wird sie trotz der unüberbrückbaren Diskrepanz unserer Einstellungen zu ihrer politischen Haltung und ihres Verhaltens doch zur Sympathieträgerin des Films. Dabei wird nicht einmal wirklich geklärt, warum sie sich überhaupt in die rechte Szene bewegt hat, mal abgesehen von der Einstellung ihres Großvaters, der immer noch die Parolen der Nazis hochhält.

Kriegerin ist ein mutiger, neuer deutscher Film, der zeigt, dass er mehr zu bieten hat, als Til Schweiger-Komödien und Eventmovies im Fernsehen. Solche ruhigen Filme, die nicht mit dem Holzhammer auf uns einprügeln, sondern unterschwellig zum Nachdenken anregen, wünscht man sich mehr im deutschen Kino. Vielleicht ist mit Wnendt nun ja ein Regisseur aufgetaucht, der diese Bewegung fortführen kann – Ich wäre froh darüber.

8 von 10 (der mutigste deutsche Film der letzten Jahre)

Wir schreiben das Jahr 2012. In einem Kinosaal mit Parkett und Loge nehmen allmählich alle Zuschauer ihre Plätze ein, bevor eine kleine Trailershow startet. Einige Minuten später beginnt der Film. Orchestrale Töne werden eingespielt, die Opening Credits starten und wir sehen vor allem, dass wir nichts hören. Der Applaus eines begeisterten schwarz-weiß Publikums bleibt ungehört. Moment!

Ein Blick auf das Kinoticket bestätigt jedoch die erste Annahme des Abends: Eindeutig wir sind im Jahr 2012 und sehen in Scharen einen schwarz-weiß Stummfilm im 4:3 Format. Doch alle Zuschauer bleiben auf ihren Plätzen. Wir lachen, wir verstummen, wir genießen. Ja, wir wussten, was auf uns zukommen sollte. Und nein, wir wussten nicht, wie es auf uns zukam.

Hollywood, 1927. George Valentine (Jean Dujardin) steht mit der versammelten Crew hinter der Leinwand, auf der die Premiere seines neuen Films erstrahlt: „A Russian Affaire“. Am Ende tobt der Saal und gerät völlig aus dem Häuschen als der Star des Films, ach, der Star Hollywoods George Valentine persönlich vor ihnen auftritt. Gemeinsam mit Hund (Uggie) verzaubert er das Publikum und verscherzt es sich mit seinem weiblichen Co-Star. Vor dem Kino hat der Rummel noch längst kein Ende und George trifft das erste Mal auf Peppy Miller (Bérénice Bejo), eine unscheinbare, wenngleich hübsche junge Dame. „Wer ist diese Frau?“ titeln tags darauf die Zeitungen. In wenigen Jahren wird sich zeigen, dass diese Frau, Peppy Miller, zum großen Filmstar aufsteigen wird. Hingegen stürzt der stolze und arrogante George in den Ruin, da sich der Tonfilm durchsetzt. Die Zeit vergeht für einen alternden Star wie im Flug.

Die Geschichte von The Artist ist wenig spektakulär und hält sich wie die Optik und Schauspielerei weitesgehend an die gute, alte Zeit, als Filme noch keine Sprache brauchten, um sich mitzuteilen. Dass die non-verbale Kommunikation über die Leinwand noch immer tadellos funktioniert, beweist der Film besonders am Anfang. Durch stark überzogene Mimik und Gesten wird dem Zuschauer klar, was passiert. Nur in etwas komplizierteren Fällen müssen dann eben Texttafeln herhalten. Doch Lesen im Kino hat auch noch niemandem geschadet.

The Artist – und das ist nicht so banal, wie es sich im ersten Moment anhören mag – ist natürlich kein echter Stummfilm. Die Musik läuft natürlich mit dem Film ab und wir haben kein Orchester oder wenigstens einen Pianisten vorne sitzen. Warum wird das hier erwähnt? Weil sich hierbei die wirkliche Stärke des Films bemerkbar macht. Wirklich viele Szenen sind Kopien oder zumindest sehr nahgelegene Anspielungen auf Stummfilmklassiker, sei es die Gewandtheit eines Douglas Fairbanks, die Spiegelszene vor einem Schaufenster eines Chaplin-Films oder die Montage nach Eisenstein. Das ist alles schön und gut, aber eben keine wirkliche Eigenleistung. Die kommt eben im Zusammenspiel mit dem Ton zum Vorschein. Ich will nicht zu viel verraten, aber in einer Sequenz bleibt einem wirklich die Spucke weg, vor dem durchdachten Einsatz von Geräuschen und Sprache.

Schauspielerisch bewegen sich die Darsteller in einer vollkommen anderen Welt. Jean Dujardin (was ein wundervoller Name, wie ich finde) hat so eine Macho-Attitüde, die er im Privaten durch Alkohol allerdings wieder abschüttelt. John Goodman spielt einen wahrhaft steinharten Produzenten, da geht einem das Herz auf, wenn man ihn spielen sehen kann. Bérénice Bejo (auch ein grandioser Name, oder?) zeigt immer wieder eine unnachahmliche Leichtigkeit, die ihrer Rolle in ihren verschiedenen Rollen nie abhanden kommt.

The Artist, dieser Film wird hochgelobt und seit Kurzem mit 3 Golden Globes und jetzt sogar 10 Oscar-Nominierungen in Verbindung gebracht. Oder natürlich mit Uggie, dem Hund, den viele Zuschauer sofort ins Herz geschlossen haben. Dieser ganze Rummel tut dem Film allerdings irgendwie nicht gut. Man erwartet dabei eine Offenbarung im Kino, zu der es nicht kommen wird und nicht kommen kann. Michel Hazanavicius hat eine  Hommage an den Stummfilm geschrieben und verfilmt und mehr als ein nostalgischer Rückblick ist The Artist eben auch nicht. Aber ein wirklich schöner und sehenswerter.

9 von 10 (ohne Worte versteht man sich im Film eben auch)

(via Halliway)

Neue Woche und das Projekt 52 Filme geht natürlich mit der Zeit. Das Thema sind also dieses Mal sympathische Aliens. Hm. Kein leichtes, wollen uns die Außerirdischen doch nicht selten nichts Gutes – geht aber auch anders:

Natürlich gibt es auch einige Aliens, die man generell in sein Herz schließt. Viele würden sicherlich E.T. nennen, den Film habe ich aber nicht gesehen. ALF war seit jeher ein lustiger Kumpane (zumindest in der Serie, die Filme hat es NIE gegeben). Wenn wir noch mehr ins Sci-Fi Genre eintauchen, kommen mir Wookies und Ewoks in den Sinn. Aber die Wahl viel auf Neill Bloomkamps „Prawns“. Die Aliens, die aussehen wie menschengroße Kakerlaken, landen unfreiwillig auf der Erde und werden in Ghettos Nahe Johannesburgs zusammengepfercht.

Sie sprechen eine unverständliche Sprache, sie ernähren sich von Katzenfutter und sehen nun mal aus, wie sie aussehen. Aber dabei können sie auch so niedliche, schutzlose und traurige Gestalten sein. Ihre Geschichte wächst einem ans Herz. Diese Aliens kommen nicht, um uns etwas Böses anzutun. Sie wollen nicht unsere Vernichtung – und werden für ihre Passivität und zurückhaltende Art bestraft, geknechtet, gefoltert und getötet. Ja, mit diesen Außerirdischen fühle ich mit, zu jeder Sekunde.

District 9 (USA/NZ/CAN 2009, R: Neill Bloomkamp)

1. Der beste Film mit Cillian Murphy ist für mich Batman Begins (USA 2005, R: Christopher Nolan) .

2. Ethan und Joel Coen haben mit No Country for Old Men (USA 2007) ihre beste Regiearbeit abgelegt, weil ich ehrlich zugeben muss, keinen weiteren Coen-Film gesehen zu haben .

3. Der beste Film mit Naomi Watts ist für mich 21 Grams (USA 2005, R: Alejandro González Iñárritu) .

4. Mein(e) Filmhighlight(s) 2012 siehe hier, hier, hier und hier .

5. Letzte Woche sind „Die Muppets“ in den deutschen Kinos angekommen. Unabhängig davon, ob ihr den Film sehen wollt, bereits kennt oder er euch überhaupt nicht interessiert, wie ist eure Meinung zur Wiederbelebung eines so lange vergessenen und zuletzt nicht mehr sonderlich erfolgreichen Franchise?

So lange es gut gemacht ist, habe ich kein Problem mit Franchises und deren Wiederbelebung. Gerade ein Reboot ist mir meist lieber als pure Fortsetzungen, weil einfach ganz neue Impulse in die Reihe kommen.

6. Nachdem sich in den letzten Wochen bereits einige als Serien-Fans „geoutet“ haben: Welches ist eure liebste Serienfigur (!) und warum?

Eine Frage, die mit nur einer Figur zu antworten, unbeantwortet bliebe. Da ist zum Einen Joey Tribbiani aus der ALLERBESTEN SITCOM ALLER ZEITEN Friends, gespielt von Matt LeBlanc, weil er ein naiver Junge im Körper eines Womanizers ist. Unvergessen bleibt natürlich sein unnachahmliches „How you’re doing?“.
Dann ist da noch David Duchovnys Hank Moody, der sich in den vergangenen vier Jahren wirklich zu einen meiner Lieblingsfiguren – man möchte fast sagen – hochgeschlafen hat. Diese Figur ist im Innern so tieftraurig und in Scherben und an der Oberfläche so lustig, dass es nicht selten weh tut, seine Eskapaden mitzuerleben.
Last but not least möchte ich auch noch eine verdammt gewiefte junge Ermittlerin ins Rampenlicht rücken. Veronica Mars aka Kristen Bell war lange Zeit die moderne Sherlockine Holmes. Nun gut, ihre Methoden sind ganz andere, dennoch hatte sie einen sehr guten Geruchssinn, was Verbrecher anging. Leider war nach der (mittelmäßigen) dritten Staffel Schluss.

7. Mein zuletzt gesehener Film war V for Vendetta (USA 2008, R: James McTeigue) und der war vollkommen in Ordnung , weil die Wachowski-Brüder sich ja außerhalb der (ersten) Matrix ungemein schwer tun und hier immerhin nicht Regie führen – und Codename V ist schon ne tolle Figur .

Das Jahr 2012 startet nicht nur mit einer Welle von interessanten neuen Filmen in den Kinos (mal ganz abgesehen von den Ende letzten Jahres erschienen Perlen), dass man sich nun wirklich nicht beschweren kann. Sollte es eigentlich für den Cineasten zu einem vollkommenen Glücksgefühl auf der Euphoriewelle nichts hinzuzufügen zu geben. Doch dann kommt die BBC mit der zweiten Staffel des modernisierten Meisterdetektivs.

Für all diejenigen, die mit der ersten Staffel von Sherlock noch gar nicht angefangen haben: Holt die erst nach, lest dann den Text. Nach dem  aus meiner Sicht sehr ärgerlichen offenen Abschluss der ersten Season, knüpft die erste Folge der neuen Staffel nahtlos am Finale an. Moriarty (Andrew Scott) lässt die in der Falle steckenden Sherlock (Benedict Cumberbatch) und Kollegen Watson (Martin Freeman) laufen, da ihm etwas wichtigeres dazwischen kommt. Somit wird die Marschrichtung der Staffel direkt vorgegeben: Sherlock Holmes und Jim Moriarty werden ein erbittertes Duell der Masterminds führen, an dessen Ende – mehr soll über die letzte Folge überhaupt nicht gesagt werden – ein an Dramatik beispielhaftes Finale geboten wird.

Die Serie Sherlock bleibt sich in ihrer ganz äußeren Machart treu. Im Grunde handelt es sich weniger um eine Serie im amerikanischen Verständnis, sondern um eine dreiteilige Fernsehfilmreihe. Wer da jetzt an vergleichbare deutsche Formate denkt, wird wohl ewig grübeln. Denn in diesem englischen Projekt steckt eine Menge Aufwand und kinoreife Präsentation. Dabei gibt wieder jede Folge eine ganz andere Machart vor. Während „A Scandal in Belgravia“ schnörkellos und rasant erzählt und geschnitten ist und somit an den Stil von Edgar Wright erinnert, überrascht der moderne „Hound of Baskerville“ mit Anspielungen und Huldigungen vor dem gleichnamigen Film mit Christopher Lee von 1959. Die dritte Folge ist da optisch und technisch gesehen schon vergleichsweise höhepunktarm – und das soll was heißen.

Normalerweise haben es Serienformate in der zweiten Staffel oft schwerer als in der ersten. Die Charaktere sind nun eingeführt und in vielen Fällen ziemlich detailreich beschrieben. Damit geht eine Möglichkeit zur Dynamisierung der Handlung erstmal verloren. Da wir es mit einem Sherlock Holmes zu tun haben, macht das aber erst einmal gar nichts. Denn der verquere Kopf kommt immer wieder auf neue geniale Ideen, die uns als Zuschauer ebenso wie Watson oder Scotland-Yard Inspektor Lestrade überraschen.

Zudem kommt mit Jim Moriarty ein Bösewicht in den Cast hinzu, der Sherlock in allen Belangen ebenbürtig ist, nur noch skrupelloser und vor allem perfekt in die generelle Modernisierung des Stoffes eingebettet wird. Seine Waffen sind Handys, Computer und Internet. Überhaupt wird Sherlock im fiktiven London durch Watsons Blog durch eben jenes zur Berühmtheit. Zu den im Bild eingeblendeten SMS-Benachrichtigungen erhalten so weitere Elemente des technischen Alltags von heute Einzug in Holmes’ Welt. Optische Highlights sind schließlich Sherlocks Gedankengänge, auf der Suche nach dem einen alles entscheidenden Detail.

Sherlock bleibt im Fernsehen eine Serie, die neue Maßstäbe setzt und es diesmal durch alle drei Folgen hindurch auf einem wahnsinnig hohen Niveau unter Beweis stellt. Bei dem Cast hat man vor zwei Jahren bereits den Grundstein für sehr gute schauspielerische Leistungen gelegt, sodass nun punktuell durch Erscheinungen wie Irene Adler weiterer Feinschliff hinzukommt. Das Warten auf die zweite Season hat sich ohne Wenn und Aber gelohnt. Wartet erst gar nicht auf die deutsche Ausstrahlung, denn auf diesen englischen O-Ton sollte man ebenfalls nicht verzichten.

10 von 10 (perfekte Unterhaltung bis hin zu einem dramatischen Schlusshöhepunkt)

Super 8 (USA 2011, R: J. J. Abrams)

Eine Gruppe von Jugendlichen lebt in einer amerikanischen Kleinstadt und werden Zeugen eines wahnsinnigen Zugunglücks. Nur ihre Super-8-Kamera allerdings hat das aufgenommen, was allen verborgen blieb. Denn in einem Waggon des Zuges wurde etwas transportiert, dass nun auf Nahrungssuche in dem ansonsten ruhigen Ort geht. Menschen und viele Elektronikteile verschwinden, die Stromzufuhr ist phasenweise unterbrochen und dann taucht das US-Militär auf. Was ist da auf die Menschheit losgegangen?

Wie von J. J. Abrams zuletzt gewohnt (Cloverfield oder die Serie Lost) steht auch in Super 8 ein Monster im Mittelpunkt, von dem wir lange Zeit ziemlich viel von dem nicht wissen, was es annähernd machen könnte oder ist. Nur ganz selten sehen wir das Ungetier oder eben nur die Schneise der Zerstörung, die es hinterlässt. Von dieser Spannung zehrt der Film ziemlich lange, genauso vom 70er Flair. Super 8 ist eine Hommage an die alten Spielberg-Filme. Wenn man die nicht kennt (so wie ich), bleiben die Anspielungen natürlich unerkannt. Dieser Film ist gemächlich erzählt, ziemlich altmodisch. Dem Stil stehen die teilweise übertriebenen Effect-Shots gegenüber. Beim Abspann heißt es: Dranbleiben!

7 von 10

Let Me In (USA 2010, R: Matt Reeves)

Das Remake des schwedischen Vampirfilms von 2008 Lat den rätte komma in hält sich vollkommen werkgetreu an die bekannte Geschichte. Ein Junge, der in der Schule von Klassenkameraden tyrannisiert wird, freundet sich mit einem ungewöhnlichen Mädchen an. Er trifft sie abends nach Sonnenuntergang im Innenhof eines runtergekommenen Wohnhauses. Was er nicht weiß: Sie ist ein Vampir und muss folglich von Blut leben. Die ungleiche Freundschaft wird auf harte Proben gestellt.

Wie bereits einmal erwähnt, dieses Remake ist durchaus gelungen, aber vollkommen unnötig. Die Geschichte wird von Schweden nach Amerika verlegt, aber selbst durch diese Maßnahme unterscheiden sich die Schauplätze nur marginal. Let Me In ist hollywoodtypisch erzählt. Schneller und direkter als das etwas trägere Original. Dafür fallen einige Erzählstränge um die Bevölkerung des Orts einfach weg. Trotz vergleichbarer Laufzeit erzählt Let Me In einfach weniger, punktet dadurch allerdings leicht mehr bei den Hauptdarstellern Chloë Grace Moretz und Kodi Smit-McPhee.

7 von 10

Sleeping Beauty (AUS 2011, R: Julia Leigh)

Anders als der Titel vermuten lässt, handelt es sich beim australischen Film nicht um eine Verfilmung des Grimmschen Märchens. Eine australische Studentin muss sich durch viele Nebenjobs ihren Lebensunterhalt verdienen. Dabei gelangt sie an einen verruchten Job. In Reizwäsche serviert sie für gutes Geld Essen und Getränke für alternde Millionäre. Ihr wird von Beginn versprochen, ihre Vagina bliebe ihr Tempel. Dann geht sie für einen Bonus noch weiter: Durch ein Narkosemittel schläft sie ein und dient als Bettgesellschaft für die Reichen – wobei es nie zu Penetration kommen darf.

Das Besondere an Sleeping Beauty ist der Ton. Denn nur ganz selten hören wir Musik aus dem absoluten Off. Filmmusik (beinahe) Fehlanzeige. Gemeinsam mit sehr farbarmen Kulissen und dem generell sehr sterilen Stil wirkt die Welt um Protagonistin Emily Browning kalt. Als verstörendes Bild der jungen Frau gedacht, wirkt Sleeping Beauty irgendwo im 20. Jahrhundert hängen geblieben zu sein. Die Geschichte nimmt nie an Fahrt auf und bleibt vollkommen ohne Höhepunkte – mal abgesehen von der nackten Emily Browning.

5 von 10

Zack and Miri make a Porno (USA 2008, R: Kevin Smith)

Zack und Miri kennen sich seit der Grundschule und leben noch immer zusammen. Sie verstehen sich bestens, kennen sich in- und auswendig und wollen auf ihrem Klassentreffen allen zeigen, dass aus ihnen etwas geworden ist. Blöd nur, dass sie kurz vorm Rauswurf aus ihrer Wohnung stehen, sowie Strom und Wasser bereits abgestellt wurden. Als sich auch noch Miris Highschool-Schwarm als homosexuell erweist, wissen die beiden, dass sie unten angekommen sind. Um aus der Patsche zu kommen, wissen die beiden sich nur noch durch eines zu helfen: Sie drehen mit Hilfe ihrer Freunde einen Porno.

Seth Rogen ist bekannt für seine Witze, die nicht selten weit jenseits der Gürtellinie landen. Sein Name hält, was er in dieser Hinsicht verspricht. Als Loser vom Dienst passt er natürlich perfekt in die Rolle Zacks, der sich zusammen mit Elizabeth Banks zu einem harmonierenden Duett entwickelt. Schade nur, dass die Witze irgendwann doch ziemlich verflachen und die Story so vorhersehbar ist wie ein Porno – nur das die Geschichte länger für ihren Höhepunkt braucht. Eine Komödie nach Schema F, die selbst mit Fäkalwitzen irgendwie durchkommt.

6 von 10

Neues Jahr, neuer Monat und ein bisschen zu spät: Mein neuer Fancut zu eben jenem ersten Monat des Jahres 2012. Trotzdem habe ich mich mal von dem coolen TGWTDT-Trailer inspirieren lassen und das Ergebnis seht ihr hier:

Enthalten sind folgende Filme, die zum Teil auch schon in den Kinos angelaufen sind. The Girl With the Dragon Tattoo habe ich bereits gesehen und ihr könnt ja hier nachlesen, was ich vom frühen Remake des schwedischen Bestsellers halte. Wie schon mehrfach gesagt, der Trailer hat mir besonders mit dem „Immigrant Song“ von Trent Reznor richtig gut gefallen, deshalb bleiben Song und Takt der Bilder gleich.

Drive konnte ich ebenfalls schon sichten, kam aber irgendwie noch immer nicht dazu, über das Erlebnis zu schreiben. Kurz zusammengefasst lässt sich sagen, der Thriller ist hart, gemächlich inszeniert, einfach anders. Der 70er/80er Jahre Look gefällt, die Musik ist für einen Actionthriller wirklich ungewöhnlich, aber dafür auch unverbraucht. Im Trailer werden offensichtlich alle Zeilen von Ryan Gosling abgespielt – also nicht wundern, der Mann redet halt nicht viel drum rum – er fährt einfach.

The Muppets, J. Edgar, The Artist und Kriegerin sind mir noch alle nicht vor die Augen gekommen, deswegen kann ich zu ihnen nur wenig sagen. Gemein haben sie alle, dass ich sie noch sichten will, am besten natürlich auf der großen Leinwand der hiesigen Kinos. Besonders letzterer hat erst durch seinen Trailer auf sich aufmerksam gemacht (deutsche Filme und so, ihr wisst ja, wie zu denen stehe). Einem guten Start ins neue Jahr steht also nichts im Wege!

(via Halliway)

Hm, diese Aufgabe wirft beim ersten Mal in der dreiwöchigen Geschichte dieses Projekts ernste Fragen auf: Müssen echte Tieren bei den Dreharbeiten des Films anwesend sein oder geht es bloß darum, dass der Film von Tieren handelt oder zumindest ein Tier eine große Rolle spielt. Tja, Fragen über Fragen. Hier kommt einfach meine Antwort:

Planet of the Apes (USA 1968, R: Franklin J. Shaffner) hat Affen im Titel, das sind ja schließlich Tiere. Die Affen werden allerdings von Menschen gespielt – sehen aber weitesgehend aus wie Affen… Also zählt mein Beispiel meiner Meinung nach auch. Worum geht’s in dem Film? Nun, die heutige Jugend (da schließe ich mich in diesem Fall mal aus) kennt sicherlich den Affen Caesar. Das ist dieser CGI-Andy Serkis, der macht sich halt gerne mal zum Affen. In dem Film mutieren Affen durch ein bestimmtes Mittel zu superintelligenten Affen, die den Aufstand proben und damit – SPOILER – durchkommen. – SPOILER ENDE -

Im Original wird Charlton Heston mit einigen unwichtigen Crewmitgliedern ins Weltall geschickt und landet Jahrhunderte später in einer ziemlich tristen Einöde. Der erreichte Planet scheint unbewohnt zu sein, aber wie das Bild oben zeigt, ist der Planet noch nicht ganz ausgestorben (und bei diesem Anblick will man laut schreien: Ja GOTTSEIDANK!) Allerdings hat nicht die schöne Linda Harrison das Sagen auf dem erschlossenen Teil des Planeten (sie kann nicht einmal sprechen), sondern sprechende Affen sagen, wo es lang geht. Wo Heston gelandet ist, warum es Menschen gibt, die aber nicht sprechen können und wie Tiere behandelt werden? Das sind die wunderbaren Fragen, die der Film in einem der besten Filmenden (vielleicht kommt solch ein Thema in den nächsten 49 Wochen ja auch noch) aller Zeiten gänzlich auflöst.

Zudem ist Planet of the Apes noch eine sehr gelungene Fabel zu Tierexperimenten, auch oder gerade aus heutiger Sicht. Dieser Film (Auftakt einer langen, aber bis auf diesen Film mäßigen bis unterirdischen Reihe) lohnt sich noch immer und darf sich in die Reihe der besten Sci-Fi-Filme aller Zeiten einordnen.

Remakes werden ja gerne verteufelt. In einem Zug mit Fortsetzungsreihen und Reboots stehen sie für die Verarmung der Kreativität der Drehbuchschreiber. Etwas leichter haben es immerhin noch Buchadaptionen. Allerdings haben wir es bei TGWTDT sowohl mit ersterem, als auch mit letzterem zu tun. Denn wie es sich für die USA gehört, drehen die ausländische Erfolgsfilme einfach selbst noch einmal.

Zuletzt hatte dieses Schicksal eine andere schwedische Produktion eingeholt. Zwei Jahre nach der schwedischen Buchadaption Lat den rätte komma in, bekam Matt Reeves ein Drehbuch mit genau derselben Story an die Hand gelegt und kurzerhand wurde die Geschichte erneut verfilmt. Immerhin verlagerte man das Geschehen vom skandinavischen in den amerikanischen Norden, doch wirklich viel Neues bot Let Me In dann eben nicht. Der Film war zwar gut gemacht, mit tollen Jungdarstellern besetzt, aber eben unnötig – darauf komme ich noch einmal zurück.

Mikael Blomquist (Daniel Craig) steckt tief in der Patsche. Er lebt getrennt von seiner Frau, entfernt sich zusehends von seiner eigenen Tochter und steckt in einem Rechtsstreit, nachdem er ohne handfeste Beweise Anschuldigungen gegen einen Großindustriellen in seiner Zeitung Millenium veröffentlich hat. Ein Anruf führt ihn in den hohen Norden des Landes auf eine Insel nahe Hengestad zum Millionär Henrik Vanger (Christopher Plummer). Der bittet Mikael, den Mord seiner Nichte Harriet vor 40 Jahren aufzuklären und den Mörder zu finden, den er in seiner eigenen von Nazis verseuchten Sippschaft vermutet. Aus Ermangelung beruflicher Alternativen und massiver Geldsorgen, sowie dem Versprechen handfester Beweise gegen oben genannten Großindustriellen, willigt Mikael ein und kommt bald mithilfe der Hackerin und sozial verkümmerten Lisbeth Salander (Ronney Mara) einer großen und furchtbaren Lösung des Mordfalls auf die Schliche.

Die Handlung dürfte vielen bekannt vorkommen, schließlich schrieb sie bereits der mittlerweile verstorbene Stieg Larsson die Vorlage und Niels Arden Oplev verfilmte die gesamte erschienene „Millenium“-Trilogie. Da böte es sich natürlich an, Vergleiche zwischen Originalbuch, Erstverfilmung und Remake zu ziehen. Allerdings kommt da die Unkenntnis des Romans erschwerend hinzu. Fakt ist, die erste Verfilmung liegt gerade einmal zwei Jahre zurück und wurde zu einem Hit. In manchen Situation sicherlich schwerfällig erzählte Män som hatar kvinnor (Verblendung) eine spannende und wendungsreiche Kriminalgeschichte, die in den Thriller nahtlos überging und machte Nommi Rapace in der Rolle der Lisbeth von einem Tag auf den anderen berühmt. Fakt ist, bei der neuen Verfilmung sitzt kein anderer als David Fincher auf dem Regiestuhl, der mehrfach bewiesen hat, ein gutes Händchen für Thriller zu haben.

TGWTDT spielt ebenfalls in Schweden und wurde dort auch zu großen Teilen gedreht, dadurch ähneln sich die Orte beider Filme doch sehr. Dem Effekt des „hab-ich-doch-alles-schon-gesehen“ beugt Fincher jedoch auf einfachste Art und Weise vor. Er verleiht seinen Bildern seinen eigenen Stil. Dreckig, trist, kalt. Fincher wandert auf ähnlichen Pfaden wie einst bei Se7en, zumindest was die Gestaltung und Farbgebung des Films angeht. Seine Optik und sein Stil bleiben omnipräsent – dennoch: Die Geschichte ist einfach noch zu vertraut.

Zwar erzählt der Film die Geschichte erneut spannend und sogar etwas zügiger als noch das schwedische Pendant, doch fehlt letztlich der Kick. Zudem wurde gewaltig an der Rolle der Lisbeth geschraubt. Ronney Rapace hat sich für ihre Rolle sogar Piercinge stechen lassen (u.a. durch die Brustwarze) und spielt damit aufopferungsvoll in einer Liga mit Noomi Rapace. Doch steht sie über die gesamt Dauer von nicht weniger als 158 Minuten klar hinter Mikael – was angesichts des Originaltitels verwundert. Ihre Schlüsselszenen (u.a. Vergewaltigungen und Racheakt) sind nahezu 1:1 übernommen, da schenken sich beide Filme nichts. Im Zusammenspiel mit Daniel Craig als Mikael ordnet sie sich ihm aber klar unter und geht damit nicht mehr ihren eigenen Weg, sondern erfüllt Mikael Aufträge. Rapace Lisbeth war insgesamt rauer, griffiger und tiefer gestaltet. Denn bei den Charakteren geht Fincher Hollywood-typisch vor. Ein, zwei Szenen erklären den Charakter der Hauptfiguren, das schwedische Original nahm sich da (gefühlt) mehr Zeit.

The Girl With the Dragon Tattoo (um den langen Titel wenigstens ein Mal im Text ausgeschrieben zu haben) ist ein ziemlich guter Film geworden. Bereits der Trailer (einer der besten der letzten Jahre) ließ auf eine modern zügige Narration schließen – der Film erfüllt diese Vermutung. Der Cast ist hervorragend: Christopher Plummer, Stellan Skarsgård, Daniel Craig (womöglich etwas fehlbesetzt) und Ronney Mara (nicht auf demselben Niveau wie Rapace) bieten insgesamt vier weitere für den Film sprechende Gründe neben dem Regisseur. Um den oben erwähnten Gedanken erneut aufzugreifen: Der Film ist gut, sehr gut, wenn man ihn alleine betrachtet. Allerdings ist er auch unnötig. Bis auf den finanziellen Aspekt gibt es keine Motivation für das Remake, das es dem Stoff nichts weiter hinzuzufügen hat, was der schwedische Film nicht bot.

8 von 10 (nahezu perfekt inszenierter Thriller für Nichtkenner des schwedischen Films – mit genialen Opening Credits)